FUTURISMO

Nós queremos cantar o amor do perigo ...

FUTURISMO

Boccioni - Forças de uma Rua (1911)  Este Movimento nasceu antes da Primeira Guerra Mundial na Itália.  Ele tentou, em 1910, para criar uma arte que aumenta a velocidade da máquina, o seu movimento e sua violência. (Nova idade na época).  Ele queria revolucionar o mundo.  Filippo Tommaso Marinetti animado movimento que no seu início, foi um movimento literário com uma profusão de textos teóricos.  O futurismo foi reconhecido internacionalmente através de sua escultura, a pintura e até mesmo música.  Um grupo de forma futurista na Rússia, liderado pelo poeta Maiakovski  Este último publicou seu Manifesto do Futurismo russo, o tapa no gosto do público.  A pintura futurista é caracterizado pela proliferação de objetos (figuras) em movimento.  Esta pintura rejeitam as formas tradicionais e assuntos.  Ela proclama a sua fé em uma beleza moderna, com querer uma pintura dinâmica.  Esse movimento só tem vivido alguns anos e desapareceu por volta de 1915.

Filippo Tommaso Marinetti (1876 - 1944),  autor do Manifesto Futurista (1909)  Gino Severini (1883-1966)  Carlo Carrà (1881-1966)  Umberto Boccioni (1882 - 1916)  Sant 'Elia Antonio (arquiteto, 1888 - 1916)  Syd Mead (1933 - ----)  Luigi Russolo  Papini  Palazzeschi  Soffici  LuigiRussolo (músico)  Giacomo Balla (1871-1958)  Larionov  Goncharova (1881-1962)  Maiakovski

Boccioni - The Farewell (1911)

Manifesto do Futurismo 1. Nós queremos cantar o amor ao perigo, o hábito da energia e da temeridade.  2. Os elementos essenciais da nossa poesia será, audácia e coragem revolta.  3. Tendo a literatura até aqui enaltecido a imobilidade pensativa, o êxtase eo sono, nós queremos exaltar o movimento agressivo, a insônia febril, a marcha de casal, o salto perigoso, a bofetada eo soco.  4. Nós declaramos que o esplendor do mundo foi enriquecida por uma nova beleza: a beleza do automóvel de corrida vitesse.Une com seu cofre adornado de grossos tubos como serpentes de respiração explosiva ...  um automóvel rugidor, que parece correr sobre a metralha é mais belo que a Vitória de Samotrácia.  5. Nós queremos cantar o homem segurando o volante da haste perfeita através da terra, lançou-se no circuito de sua órbita ...  Foi na Itália que lançamos este manifesto de violência arrebatadora e incendiária e, através da qual baseamos hoje o futuro, pois queremos entregar Itália a partir de sua gangrena dos arqueólogos, Cícero e antigo ...  FT Marinetti  Publicado por Le Figaro 20 de fevereiro de 1909.

Andre Derain

Nascido 10 de junho de 1880 e faleceu 08 de setembro de 1954. Derain foi um artista francês, pintor, escultor e co-fundador do fauvismo com Henri Matisse.

Andre Derain nasceu em Chatou, Yvelines, Île-de-France, nos arredores de Paris. Em 1898, enquanto estudava para ser engenheiro na Académie Camillo, Derain frequentou aulas de pintura de Eugene Carriere, e ele conheceu Matisse .

Em 1900, conheceu Derain e dividiu um estúdio com Maurice de Vlaminck e começou a pintar suas paisagens mais cedo. Seus estudos foram interrompidos 1901-1904, quando ele foi convocado para o exército francês. Após sua liberação do serviço, convenceu os pais de Derain para lhe permitir abandonar sua carreira de engenharia para se dedicar exclusivamente à pintura.

Derain, em seguida, participou da Académie Julian.

Matisse e Derain trabalharam juntos no verão de 1905 na vila mediterrânea de Collioure e mais tarde nesse mesmo ano, eles apresentaram suas pinturas altamente inovadora no Salon d'Automne. As cores vivas e artificiais, marcando o início do movimento fauvista . Em março de 1906, o marchand Ambroise Vollard Derain enviado para Londres para criar uma série de pinturas sobre a cidade. Com 30 pinturas (incluindo 29 que ainda existem), Derain estendeu um retrato de Londres, que era bastante diferente de tudo que já havia sido feito pelos pintores da cidade como Whistler e Monet. Com cores brilhantes e composições inovadoras, Derain pintou várias imagens do Tamisa e Ponte Tower.

As pinturas de Londres permanece entre suas obras de arte mais popular.

Em 1907, o marchand Daniel-Henry Kahnweiler para comprar todo um estúdio com Derain, Derain foi a estabilidade financeira do duo. Derain experimentou escultura em pedra e mudou-se para Montmartre estar perto de seu amigo Pablo Picasso e de vários outros artistas famosos.

Em Montmartre, Derain começou a mudar sua paleta para a paleta Fauve brilhante mais sutil, mostrando a influência do cubismo e Cézanne. Derain fornecido xilogravuras em grande estilo primitivista para uma edição do primeiro livro de Guillaume Apollinaire, de prosa, O encantador de podridão em 1909. Suas obras exibidas na Neue Künstlervereinigung em Munique, em 1910, 1912, Der Blaue Reiter em 1913, o seminal Armory Show, em Nova York. Derain também ilustrou uma coleção de poemas de Max Jacob, em 1912.

Um ano antes de sua morte, Derain contraiu uma infecção no olho que nunca sarou completamente. Ele morreu em Garches, Hauts-de-Seine, Île-de-France, França, em 1954, quando foi atingido por um veículo.

Maurice de Vlaminck de

sMaurice de Vlaminck foi um pintor francês, considerado um dos principais líderes do movimento Fawn.

Maurice de Vlaminck nasceu 4 de abril de 1876 e faleceu 11 de outubro de 1958. Com André Derain e Henri Matisse, Vlaminck é considerado um dos principais líderes do movimento Fawn, um grupo de artistas modernos que 1904-1908 estavam unidos em seu uso de cores intensas.

Maurice de Vlaminck nasceu em Paris em uma família de músicos.Seu pai ensinou-lhe cedo a tocar violino. Vlaminck começou a pintar no final da adolescência. Em 1893, Vlaminck estudou com um pintor chamado Henri Rigalon na Ile Chatou. Em 1894, casou com Suzanne Berly Vlaminck. O ponto de viragem na sua vida foi um encontro ao acaso no trem para Paris no final da sua estadia no exército.Vlaminck, então com 23 anos, conheci um aspirante a artista, André Derain , com quem ele se tornaram amigos para a vida. Quando Vlaminck para concluir seu serviço militar em 1900, os dois alugaram um estúdio juntos por um ano antes Derain Parte do seu serviço militar. Em 1902 e 1903, Vlaminck escreveu muitos romances ligeiramente pornográficas ilustradas por Derain.Ele pinta durante o dia e ganha a vida dando aulas de violino e grupos de produtos de músicos da noite.

Em 1911, Vlaminck se mudou para Londres e tintas. Em 1913 ele novamente pintada com Derain em Marselha e Martigues. Na Primeira Guerra Mundial, Vlaminck foi postado em Paris, e começou a escrever poesia.Finalmente, Vlaminck mudou-se para um subúrbio a noroeste de Paris, ele se casou com sua segunda esposa, Berthe Combes, com quem teve duas filhas. Em 1925, Vlaminck tem viajado por toda a França, mas continuou a pintar, principalmente ao longo do Sena, perto de Paris. Vlaminck morreu em Rueil-la-Gadelière 11 outubro de 1958.

Duas telas de Vlaminck revolucionária
Sobre o zinco eo homem com o tubo foi pintado em 1900.

Durante anos viveu Vlaminck em ou perto de Chatou (a inspiração para pintar suas casas em Chatou) e pintou junto Derain, Matisse e outros fauvistas. Naquele momento, seu aplicativo de pintura eo uso da influência dinâmica exibe cor de Vincent van Gogh. Em zinco recordar o espírito da obra de Toulouse-Lautrec e seus retratos de prostitutas e bebedores solitários. Em suas paisagens, sua abordagem foi semelhante. Vlaminck ignorado os detalhes, a paisagem torna-se uma desculpa para expressar seu humor através de pinceladas de cor e agressivo. Um exemplo é o Segundo madeira, pintado em 1904. No ano seguinte, Vlaminck começou a experimentar com a desconstrução. Trata-se de transformar o mundo físico, dando uma impressão de movimento. Suas pinturas Ponte em Chatou, Sena, batata-coletores e Orchard ilustram esta tendência.

Henri Rousseau Julien Félix

Também conhecida como a Alfândega, foi um pintor francês pós-impressionista do movimento de arte ingênua ou primitiva.

Ridicularizado durante sua vida, ele passou a ser reconhecido como um gênio autodidata, cujos trabalhos são uma impressionante qualidade artística.

Henri Rousseau nasceu em Laval, Mayenne no Vale do Loire na família de um latoeiro. Rousseau participaram Laval High School como um estudante de dia e depois como um internato. Depois que seu pai tornou-se o devedor, seus pais tiveram que deixar a cidade após a apreensão de suas casas. Rousseau era fraco em certas disciplinas do ensino médio, mas ele ganhou vários prêmios por desenho e música. Rousseau trabalhava para um advogado e estudou direito.

Após a morte de seu pai, Rousseau se mudou para Paris em 1868, enquanto funcionário público, ele apoia a sua mãe viúva. Em 1868, a esposa de Rousseau Clémence Boitard, a filha de 15 anos o proprietário de seu apartamento, com quem teve seis filhos (um sobreviveu). Em 1871 ele foi nomeado coletor de impostos para a concessão de bens, entrando em Paris. Sua esposa morreu em 1888 e, em seguida, casou-se com Josephine Noury ​​em 1898. Rousseau começou a pintar a sério em seus quarenta anos, e 49 anos de Rousseau deixou seu emprego para trabalhar em seu tempo de arte total.

Rousseau disse que "nenhum professor que não seja a natureza", embora tenha admitido ter recebido alguns conselhos de dois pintores estabelecido Acadêmico, Félix Auguste-Clément e Jean-Leon Gerome.Essencialmente, Rousseau era autodidata e é considerado um pintor primitivo ou ingênuo.

A melhor imagem de Rousseau, o mais conhecido, é uma cena de floresta, mesmo que ele nunca deixou a França e colocou um pé na selva.

A inspiração veio dos livros ilustrados e jardins botânicos em Paris, assim como pinturas de animais selvagens.Rousseau também se reuniu com soldados, durante seu tempo de serviço, que tinha sobrevivido a expedição francesa ao México e ouviu suas histórias. Para o crítico Arsène Alexandre, Rousseau descreve suas visitas habituais ao Jardin des Plantes: "Quando vou para as casas de vidro e vejo as plantas estranhas de terras exóticas, parece-me que eu entramos em um sonho."

Em 1911, uma exposição retrospectiva da obra de Rousseau foi exibido no Salon des Indépendants. pinturasde Rousseau também foram mostrados na primeira exposição do Blaue Reiter. Duas exposições de seus trabalhos em museus principal ocorreu em 1984 e 1985 (em Paris, Grand Palais, e Nova York, o Museu de Arte Moderna) e 2001 (Tübingen, Alemanha). Uma grande exposição de sua obra, "Henri Rousseau: Selvas em Paris", foi apresentada na Tate Modern, em novembro de 2005 por quatro meses. A exposição tem também apareceu no Musée d'Orsay. A exposição apresenta 49 pinturas de Rousseau, foi realizada na National Gallery of Art, em Washington, de 16 julho - 15 outubro de 2006. Uma impressionante coleção de obra de Rousseau foi apresentada no Grand Palais, de 15 de março a 19 de maio de 2006.

Henri Matisse

Nascido 31 de dezembro de 1869 e faleceu 03 de novembro de 1954, é um artista francês conhecido por seu uso da cor e do seu desenho original e fluida.

Matisse foi um escritor, um desenhista e escultor, mas ele é mais conhecido como pintor. Matisse é frequentemente considerado, juntamente com Marcel Duchamp e Picasso , como um dos três artistas que foram colaboradores fundamentais para o desenvolvimento revolucionário nas artes visuais durante as primeiras décadas do século 20, responsável por avanços significativos na escultura e na pintura. Apesar de Matisse foi marcada como uma corça na Matisse 1920 foi recebido cada vez mais como um defensor da tradição clássica da pintura francesa.

Seu domínio da linguagem expressiva da cor e do desenho, exibido em um corpo de trabalho que abrange mais de meio século, ganhou reconhecimento de seus pares como uma das principais figuras da arte moderna .

Henri-Émile-Benoît Matisse nasceu em Cateau-Cambrai, norte da França, cresceu em Bohain-en-Vermandois, Picardie, França, onde seus pais tinham um negócio de flores. Foi o primeiro filho de Matisse. Em 1887 foi para Paris para estudar Direito, ele trabalhou como diretor do curso. A mãe de Matisse levou fontes da arte durante um período de convalescença, na sequência de um ataque de apêndice.

Ele descobriu "uma espécie de paraíso" e, em seguida, ele decidiu se tornar um artista.

Em 1891, Matisse voltou a Paris para estudar arte na tradicional Académie Julian, onde se tornou aluno de William-Adolphe Bouguereau e Gustave Moreau. Na primeira, Matisse pintou paisagens e naturezas mortas em um Flamengo tradicional. Chardin foi um dos mais conceituados pintores Matisse, como qualquer estudante de arte, Matisse fez cópias de pinturas de Chardin. Em 1896, Matisse apresenta cinco mesas no salão da Sociedade Nacional de Belas Artes, eo Estado comprou dois. Em 1897 e 1898, o pintor Matisse visitou John Peter Russell em Belle Island, na Ilha do mar ao largo da costa da Bretanha. Russell foi introduzido ao impressionismo e ao trabalho de Van Gogh (que tinha sido um bom cúmplice de Russell, mas era completamente desconhecido na época). estilo de Matisse mudou completamente, e ele disse mais tarde que "Russell foi meu professor, e Russell explicou a teoria da cor. "

Com o modelo Caroline Joblau, Matisse tinha uma filha, Margaret, nasceu em 1894. Em 1898, a esposa de Matisse Amelie Parayre Noellie, ambos criados juntos e Marguerite tinha dois filho, João (b. 1899) e Pierre (nascido em 1900). Margaret e Amélia, muitas vezes serviram como modelos de Matisse.

A primeira exposição de Matisse foi apresentado na galeria de arte de Ambroise Vollard, em 1904, sem muito sucesso. Seu gosto por cores fortes e expressivos se tornaram mais prevalentes após migrar para o sul em 1905. Matisse trabalhou com André Derain e passou um tempo na Cote d'Azur. As pinturas deste período caracterizam-se por formas planas e linhas marcadas com uma atenção ao detalhe.

Em 1905, Matisse e um grupo de artistas conhecidos agora como "fauves" exibidos juntos em um quarto no Salon d'Automne.

A pintura Fauve expressar emoções selvagens, muitas vezes discordantes cores, independentemente da cor natural o assunto. As pinturas foram ofendidas a tal ponto que "Uma lata de tinta foi jogada na cara do público" pela crítica Camille Mauclair. A pintura que estava sob ataque era a mulher mais importante do chapéu de Matisse, que foi comprada por Gertrude Stein e Leo: isso teve um efeito muito benéfico sobre Matisse, que sofria de moral baixo devido à má percepção do seu trabalho. O pintor simbolista Gustave Moreau foi professor de movimento Fauve , e ele fez muito para a época, um professor na École des Beaux-Arts em Paris, Moreau empurrou seus alunos a pensar fora das linhas de formalidade e acompanhar as suas visões.

Em 1907, Apollinaire, Matisse, ao comentar em um artigo publicado em La Falange, disse: "Nós não estamos lidando aqui com uma extravagante ou extremistas:. A arte de Matisse é eminentemente razoável" Mas o Matisse no momento também se reuniu com fortes críticas. Sua controversa 1907 pintura Nu bleu foi queimado em efígie no Armory Show, em Chicago, em 1913. Após 1906, a diminuição da circulação corça não fez nada para agir sobre a ascensão de Matisse, muitos dos seus melhores trabalhos foram criados entre 1906 e 1917, quando Matisse foi um membro activo da arte coletiva, mesmo que não se encaixam perfeitamente dentro, com seu ar de hábitos de trabalho conservador e burguês.

Matisse teve uma longa associação com o colecionador de arte da Rússia, Sergei Shchukin. Ele criou uma de suas obras importantes para a dança, especialmente Shchukin como parte de uma encomenda de dois quadros, sendo o segundo quadro Music, 1910. Uma versão anterior da Dança (1909) está na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York (MOMA).

A arte e a corça
artistas fauvistas.

Fauve movimento de arte foi um período curto na história da arte. Por contras, fauvismo e seus artistas criaram obras de arte com cores quentes e as técnicas da pintura moderna. Este período foi liderada pelo artista Henri Matisse e Derain André.

História do fauvismo

Fauvismo foi o estilo atribuído a fauvista, um movimento artístico de curta duração atribuída aos primeiros artistas modernos do século XX.

Suas obras são notados visual usando cores brilhantes em representações realistas que foram retidos pelo impressionismo. Enquanto o fauvismo como movimento artístico começou por volta de 1900 e continuou para além de 1910, omovimento fauvista , como tal, durou apenas alguns anos, de 1904 a 1908 e teve três grandes exposições . Artistas movimento da cabeça tawny foi Henri Matisse e André Derain .

Gustave Moreau foi a inspiração do movimento. Moreau era um professor polêmico na École des Beaux-Arts em Paris e um pintor simbolista Gustave Moreau ensinou Matisse, Marquet, Manguin, Camoin e Rouault na década de 1890 e foi considerado pelos críticos como o líder do filosófica grupo até o pintor Matisse foi reconhecido como tal em 1904.

Sua originalidade, sagacidade e sua afirmação do poder expressivo da cor pura tem sido uma inspiração para seus alunos.

Matisse disse dele: "Moreau não nos coloca na pista, mas fora da trilha batida. Moreau tem perturbado a nossa complacência. "Esta fonte de empatia desapareceu com a morte de Moreau em 1898, mas os artistasdescobriram bestas outras inspirações para sua evolução.

Em 1896, Matisse, então um estudante de arte desconhecida, visitou o artista John Peter Russell, na ilha de Belle Isle, na Bretanha. Russell foi um pintor impressionista, Matisse nunca tinha visto com seus próprios olhos uma obra impressionista antes e ele estava tão chocada ao ver esse novo estilo que ele deixou a ilha em dez dias. "Eu não aguentava. No ano seguinte, Matisse voltou como um estudante de Russell e ele abandonou sua paleta de tons terra para cores vivas e impressionista, mais tarde, dizendo: "Russell foi meu professor, e m Russell explicou a teoria da cor. Russell tinha sido um amigo próximo de Vincent van Gogh e ele deu um desenho de Van Gogh a Matisse.

Em 1901, Maurice de Vlaminck descobre toda obra de Van Gogh pela primeira vez em uma exposição, dizendo que logo após ele amava Van Gogh, mais do que seu próprio pai. Van Gogh começou a trabalhar a pintura diretamente na tela com o tubo de tinta.

Entre as fontes de inspiração estética em seu trabalho, há a escultura Africano.

Várias características de animais selvagens têm aparecido na primeira pintura de Matisse. Como em Luxe, Calme et Volupté, pintado no verão de 1904, enquanto ele está em St. Tropez com Paul Signac e Henri-Edmond Cross.

Benvenuto Cellini

Benvenuto Cellini, nascido em 03 de novembro de 1500 e faleceu 13 de fevereiro de 1571, foi um ourives italiano, pintor, escultor, músico e soldado, que também escreveu uma autobiografia famosos.

Benvenuto Cellini nasceu em Florença, Itália. Seus pais eram Giovanni Cellini, e Maria Lisabetta Granacci. Eles eram casados ​​há dezoito anos antes do nascimento de seu primeiro filho.Benvenuto foi o segundo filho da família. Filho de um músico e construtor de instrumentos musicais, Cellini teve sua primeira grande experiência com a lei, quando era um adolescente precoce: Ele foi banido de sua cidade natal, Florença, por suposto envolvimento em uma briga. Por isso, ele recebeu sua primeiraformação artística, não só do ourives florentino Marcone (Antonio di Sandro), mas também por Francesco Castoro, um ourives de Siena. Depois de várias visitas a Bolonha e Pisa,Benvenuto Cellini foi autorizado a voltar para Florença e continuar seu trabalho.

Giovanni tinha esperado inicialmente, que Benvenuto joingne-lo na fabricação de instrumentos, e procurou limitar a sua propensão para trabalhar metais. Quando ele tinha quinze anos, seu pai, relutantemente, concordou que ele se tornou aprendiz do ourives Antonio di Sandro, chamado Marcone. Na idade de dezesseis anos, Benvenuto já havia atraído problemas em Florença, tomando parte em uma briga com a juventude do companheiro. Ele escapou da punição por fugir para seis meses, em Siena, onde trabalhou por um ourives, chamado Fracastoro (não relacionada ao espírito universal Veronese). Siena, ele se mudou para Bolonha, onde se tornou um jogador mais feito flauta e avançou como qu'orfèvre. Depois de uma passagem em Pisa, e dois períodos de sua vida em Florença (onde foi visitado pelo escultor Torrigiano), ele se mudou para Roma com a idade de dezenove anos.

Foi um dos artistas mais importantes do maneirismo.

Seus primeiros trabalhos foram em Roma um caixão de prata, castiçais de prata e um vaso com o bispo de Salamanca, que ganhou a aprovação do Papa Clemente VII. Outra obra famosa que fez em Roma é a medalha de ouro de "Leda eo Cisne", feita para o porta-estandarte Cesarino Gabbriello, e está agora no Museu de Viena. Ele também aproveitou a flauta, e foi nomeado um dos músicos da corte papal.

De Florença, ele foi para a corte do Duque de Mântua, e depois em Florença. De volta a Roma, ele foi empregado nos trabalhos de jóias e na execução de matrizes para moedas e medalhas privada do Papa.Em 1529, seu irmão Cecchino matou um cabo Eva romano, e por sua vez, foi ferido por um armeiro. Ele morreu de seus ferimentos depois. Pouco depois Benvenuto tinha matado o assassino de seu irmão - um ato de vingança pelo sangue, mas não pela justiça como Cellini admite que o assassino de seu irmão agiu em legítima defesa cardeais. Através da influência de vários , Cellini foi perdoado. Ele achou graça com o novo papa, Paulo III, apesar de um homicídio últimos três dias, durante o interregno após a morte do Papa Clemente VII, em setembro de 1534.

A quarta vítima foi um ourives que trabalhou para a rival Cellini; Pompeo de Milão. Cellini relatou em sua autobiografia que ele havia se tornado amantes e amados Pompeo admiram seu físico magnífico, enquanto trabalhava perto do forno de fundição de ferro e bronze, e era a esperança de que seus afetos são recíprocos e manifestada por Pompeo. Quando soube que Cellini Pompeo estava ausente do trabalho naquele dia e ele era o amante de sua esposa, ele admitiu que visitou a Vila, onde sua ex-mulher viveu e conheceu Pompeo na porta e esfaqueou-o na porta. Ele imediatamente esfaqueado sua ex-mulher dentro de casa depois de ser traído. Murder, quarto e quinto, que se gabava Cellini em suas memórias, têm sido relatados na sua autobiografia como nada mais que um "acidente justificada durante uma disputa" em vez de dolo.

Ele foi salvo da prisão por causa de uma passagem pelo papa.

Durante a guerra com o Siena, Cellini foi nomeado para fortalecer as defesas de sua cidade natal, e apesar de mal tratados por seus chefes de Duke, ele continuou a ganhar a admiração dos seus concidadãos pela magnífica obra de arte que produz. Ele também foi nomeado membro (Accademico) da prestigiada Accademia delle Arti del Disegno em Florença, fundado pelo duque Cosimo I de Medici, 13 janeiro de 1563, sob a influência do arquiteto Giorgio Vasari. Morreu em Florença em 1571 e foi sepultado com grande pompa na igreja da Santissima Annunziata. Ele esteve presente em Florença, uma irmã viúva e suas seis filhas.

Alessandro Allori

Alessandro di Cristofano di Lorenzo del Bronzino Allori, que nasceu 03 maio de 1535, foi um pintor de retratos italiano do final da escola florentina maneirista.

Nascido em Florença em 1540, após a morte de seu pai, ele foi levado e treinados na arte por um amigo próximo, muitas vezes referida como o seu "tio", o pintor maneirista Agnolo Bronzino , cujo nome às vezes é encontrado em seus quadros. Em alguns aspectos, Allori é o último da linhagem que leva os pintores florentinos que, em geral, não diluído do património artístico da Toscana: Andrea del Sarto trabalhou com Fra Bartolomeo (e Leonardo da Vinci), Pontormo trabalhou brevemente no sob a supervisão de Andrea, Bronzino e treinados, Allori que treinou. As gerações subseqüentes na cidade têm sido fortemente influenciados pela maré do barroco destaque em outras partes da Itália.

Freedburg faz o divertimento de Allori dizendo que é um derivado, e ilustra "a maneira ideal em que a arte (e estilo) são gerados a partir da arte pré-existente. O rosto acabado tem uma forma natural de mármore como se estivesse à procura de um estatuto legal. Pode-se dizer do final da fase de pintura maneirista em Florença, que a vida da cidade estava impregnada com as primeiras obras de mestres como Donatello e Michelangelo, foi ainda marcado por eles, se ela sugeriu uma série de exposições figuras na pintura.Enquanto em 1600 o barroco também começou a dar vida a figuras pintadas, Florence pintura das estátuas em duas dimensões. Além disso, em geral, com excepção da mania Contra (artista Counter-maneirista), eles não ousavam sair temas secundários ou vadios em uma grande emoção.

Entre seus colaboradores encontraram Butteri Giovanni Maria e seu aluno que era diretor Giovanni Bizzell.

Cristoforo del Altissimo, Aurelio Lomi, Cesare Dandini, Giovanni Battista Vanni, John Mosnier e Monanni também foram seus alunos. Allori foi um dos artistas que trabalham sob Vasari, participando da decoração da Studiolo Francesco I. Ele é o pai de Cristofano Allori (1577-1621).

Agnolo Bronzino

Agnolo di Cosimo, nascido em Novembro de 1503 e morreu em novembro de 1572, geralmente conhecida como Bronzino Agnolo Bronzino e é um pintor maneirista italiano de Florença.

Várias tentativas de falsos também foram feitas no passado para descrever o seu nome, por Agnolo Tori e até Angelo (Agnolo) Allori. A origem de seu apelido Bronzino é desconhecida, mas pode decorrer de sua tez escura, ou o que ele tem dado muitos retratos seus súditos.

Bronzino nasceu em Florença. De acordo com o seu colega Vasari, Bronzino foi um primeiro aluno Raffaellino del Garbo e Pontormo. Ele finalmente foi a principal influência sobre o desenvolvimento do estilo de Bronzino e do jovem artistaainda está envolvido com seu mestre excêntrico.

Na verdade, Pontormo é conhecido por ter apresentado um retrato de Bronzino como uma criança (sentada num degrau) em uma de suas séries de José no Egito, agora na National Gallery, em Londres.

Durante meados da década de 1520, os dois artistas trabalharam juntos em uma ordem especial, apesar de Bronzino é suposto ter servido principalmente como assistente de mestre magistral Anunciação O seu testemunho ea Cruz afrescos que adornam as paredes da capela. Os quatro rodelas contendo imagens dos evangelistas acima não são mais um mistério: Vasari escreveu que Bronzino pintados dois deles, mas seu estilo é muito semelhante ao que os estudiosos ainda debatem a Pontormo funções específicas.

Para o fim de sua vida, Bronzino teve um papel considerável nas actividades da Accademia delle Arti florentino del Disegno, da qual foi membro fundador em 1563.

O pintor Alessandro Allori foi seu aluno favorito

Bronzino vivia na casa da família Allori, no momento da sua morte, em Florença, em 1572 (Alessandro também foi o pai de Cristofano Allori). Bronzino passou a maior parte de sua carreira em Florença. Em 1540-41, Bronzino começou a trabalhar na decoração afresco da capela de Eleonora de Toledo, no Palazzo Vecchio.

Elegante e clássico, as obras religiosas são exemplos da estética do século 16 florentino tribunal meados

tradicionalmente interpretado como altamente estilizada e não pessoal ou emocional. Travessia do Mar Vermelho é um tipo de abordagem de Bronzino, nesse momento, se não se pode alegar que a corte não tinha Bronzino ou fervor religioso a partir do modo preferido tribunal.

Na verdade, a Eleanora duquesa era um generoso benfeitor para a ordem dos jesuítas recém-fundada.

de trabalho Bronzino incluiu referências aos pintores avançada passado, como em O Martírio de São Lourenço (1569), em que quase todas as poses dobrado extraordinária pode recordar Rafael ou Michelangelo, Bronzino idolatrava. Bronzino habilidade com o nu é ainda mais enigmático implantado na célebre Vênus, Cupido, Loucura e Tempo, que transmitem a emoção do erotismo sob o pretexto de uma alegoria moralizante. Suas outras obras de arte incluem o projeto principal de uma série de tapeçarias no The Story of Joseph para o Palazzo Vecchio.

Muitos trabalhos são ainda Bronzino, em Florença, mas outras partes podem ser encontrados na Galeria Nacional de Londres e outros lugares.

História do Maneirismo

A forma artística o que mouvment desenvolvido em torno de 1510.

A principal distinção está na maneirista coloca em equilíbrio precário, as formas alongadas, iluminação dramática, arranjos extravagantes e perspectivas dissonantes.

O movimento artístico conhecido maneira uma primeira fase experimental chamado anti-classicismo, que durou 30 anos. Era a morte do famoso pintor Rafael, que marcou nos primeiros anos do Maneirismo na cidade de Roma. A Michelangelo artisite, que pintou a Capela Sistina, foi um dos maiores embaixadores do maneirismo.

Cedo Maneirismo

Segundo a fonte da narrativa histórica, Maneirismo desenvolvido entre 1510 e 1520 em Florença, Roma, ou em ambas as cidades.

No início, as formas de Florença, em especial aos estudantes de Andrea del Sarto: Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino, são caracterizadas por formas alongadas, posa com o equilíbrio precário, perspectivas dissonantes, arranjos exagerados, e os "iluminação teatral. Parmigianino (um estudante de Correggio) e Giulio Romano (Assistente Chefe Rafael) muda em direções estéticas no mesmo estilo em Roma.
Estes artistas tinham amadurecido sob a influência da Alta Renascença, e seu estilo tem sido caracterizada como uma reação ou extensão exagerada do mesmo.


Em vez de estudar a natureza diretamente, jovens artistas começaram a explorar as esculturas helenísticas. Portanto, este estilo é frequentemente identificado como "anti-clássico", mas ao mesmo tempo, considerou-se uma progressão natural do Alto Renascimento. A primeira fase experimental domaneirismo , conhecido por suas "formas de anti-clássico, durou até cerca de 1540 ou 1550. Marcia Hall observa em seu livro: "A morte prematura de Rafael foi o início do Maneirismo, em Roma."

Michelangelo foi um dos grandes embaixadores do maneirismo criativo.

O teto da Capela Sistina tem fornecido exemplos de outros artistas a seguir, especialmente figuras ignudi ea Sibila Líbia. Michelangelo ele mesmo poderia ter sido influenciado pela Torso Belvedere, que também influenciou outros pintores.
Lo Spasimo di Sicilia "Rafael é um grande evento na história cristã, quando Cristo cai carregando a cruz, viu sua mãe em perigo e é ajudado por Simão de Cirene. A composição é vinculado pelas diagonais da lança do soldado e cruzes de madeira. Excepcionalmente, Cristo não pode ser distinguido de imediato dos valores em primeiro plano, enquanto Simon destaca-se com bastante destaque.

O espírito competitivo foi estimulada pelos patronos incentivou os artistas a mostrar sua virtuose.

Então, em Florença, Leonardo da Vinci e Michelangelo têm cada um recebeu uma encomenda de porta-bandeira Piero Soderini para decorar uma parede no Salão dos Quinhentos ". Ambos os artistas foram instalados lado a lado para pintar e se tornou, em concorrência uns contra os outros, que alimentaram o incentivo para ser tão inovadora quanto possível. Mais tarde, em Roma, Rafael foi encomendada a pintura "A Transfiguração" pelo Cardeal di Medici Gioulio que foi nomeado arcebispo de Narbonne, no sul da França. Naquele momento, Rafael também foi ocupado o Stanze pintura, altares diversos, inúmeras versões da Madona eo filho e ser o arquiteto-chefe de Roma após a morte de Bramante, que lhe deu pouco tempo para fazer "A Transfiguração ". Portanto, o cardeal Sebastiano del Piombo ordenados, que era colorista veneziana de altura e amigo de pintura de Michelangelo, "A Ressurreição de Lázaro". Isto levou Rafael para completar a ordem.
Esse período foi descrito como uma extensão natural da arte de Andrea del Sarto, Michelangelo e Rafael, e da redução das conquistas desses artistas no estilo clássico. Na análise anterior, verificou-se que o maneirismo vem no início do século 16, ao mesmo tempo uma série de outros movimentos sociais, científicas, religiosas e os direitos políticos como o modelo de Copérnico, o saque de Roma, e Reforma Protestante, aumentando o desafio para o poder da Igreja Católica. Assim, formas alongadas de estilo e formas distorcidas já foram interpretadas como uma reação às composições idealizadas comum na arte da Alta Renascença.