A arte abstrata, uma invenção do século 20

Durante a segunda década do século XX, um radical e decisivo ocorre na pintura, a invenção de abstração.
É certo que, desde tempos imemoriais, as formas não-figurativas foram utilizadas em programas de decoração, como decorar as terracotas gregas da antiguidade, arabescos de ferro forjado ou cachos barroca de estilo Art Nouveau. Mas esses motivos eram subordinados a objetivos externos, como o embelezamento de um lugar ou objeto.
A abordagem que caracteriza os mestres da abstração do início do século 20 é o de propor, simplesmente, uma "imagem abstrata".
O paradoxo é que esta frase, uma imagem é tradicionalmente definido como uma réplica da realidade, diz que a nova empresa. As pinturas abstratas são imagens que remetem a nada mais que auto-se. Nesse sentido, eles são semelhantes aos ícones da fé ortodoxa que demonstram a presença de conteúdo em vez do que eles representam, mas, ao contrário destas imagens religiosas, quebrar a pintura abstrata com o mundo das aparências. Eles revelam a existência de realidades até então invisíveis e desconhecidos, que cada artista determina a seu modo, de acordo com suas próprias convicções, sua formação e cultura, arte popular com as teorias mais especulativas. Cada um dos quatro artistas pioneiros da abstração, Frantisek Kupka, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Piet Mondrian, e leva a sua própria linguagem de abstração, independentemente dos outros.
Eles têm, no entanto, ultrapassou o limite da abstração na mesma época, entre 1911 e 1917, a simultaneidade pode ser explicado por preocupações comuns. Todos eles tinham uma prática espiritual ou esotérica. Eles também foram, para alguns, muito ligado à música, a menos imitativo de todas as artes, eles têm, por vezes, tomado como modelo. E, em geral, eles trabalhavam em um contexto cultural, sobretudo com o aspecto científico da física quântica e da teoria da relatividade, onde a noção da realidade tornou-se problemática. Como observou Paul Valery, no momento, "nem matéria, nem espaço nem tempo é 20 anos desde que foram sempre". Neste contexto cultural e científico do início do século 20, a realidade não é o que percebemos através dos cinco sentidos que uma entidade que é abordado por experiências de pensamento.
Os inventores de abstração oferecer uma nova forma de pintura, de acordo com essa visão de mundo.

Os artistas e suas obras

Wassily Kandinsky
Moscou, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944

Untitled (aquarela), 1910? 1913?  Grafite aguarela e tinta
49,6 x 64,8 centímetros

Há muito considerado o primeiro trabalho abstrato na história da pintura, já que é assinado e datado de 1910 por Kandinsky, de costas para a "aquarela abstrata" de inscrição, essa aquarela, acredita que hoje, seria sim um esboço para um óleo sobre tela, Composição VII, concluída no Outono de 1913. No entanto, é um rascunho inicial, integralmente realizado em um trabalho posterior, ou estudo que, pouco antes da conclusão da composição e, portanto, é anterior pelo artista?

O estilo deste trabalho e sua gestão de espaço, mais magra para as pinturas de 1913. Composto por botões coloridos em aquarela, que se sobrepõem, como transparência, linhas pretas desenhadas em caneta e aguarela, que separa o papel do desenho e da cor. As linhas de fornecer formulários vitalidade rítmica vez que definem um contorno, assumindo uma função independente. No entanto, esta autonomia não se realiza em seu trabalho até 1911.
Além disso, manchas de cores flutuando em meio indefinido, o que é comum nas obras de Kandinsky posterior a 1912, enquanto antes eles são estruturados por meio de imagens referentes à memória e as memórias pessoais da pintora. No espiritual na arte, escrita em 1910, Kandinsky afirma que "Nós não somos suficientemente avançados de pintura já estar profundamente impressionado por uma composição de formas e cores completamente emancipado."

À medida que se afasta de referenciais realistas para expressar uma atividade da mente, essa aquarela é mais representativo do lirismo e da vitalidade de sua obra madura.

Composição VII, 1913, óleo sobre tela, 200 x 300 cm, Galeria Tretyakov, Moscovo: ver o trabalho

Mit dem schwarzen Bogen (com o arco preto), 1912  Óleo sobre tela
189 x 198 centímetros

Construído sobre o princípio da dissonância emprestado do mundo da música de Arnold Schoenberg, esta tabela tem a convergência escala monumental e, talvez, a colisão de três grandes blocos de vermelho, azul e roxo. Como foi observado por Will Grohmann, um grande especialista em Kandinsky, a razão para este quadro é composto por "três continentes colidem.

Durante a sua intersecção, uma grande curva negro poderia ser interpretada, de acordo com o título russo original na parte de trás da mesa, como se referindo a "Doug", um arco de limonière que empresta do mundo camponês Kandinsky tradicionais. Mas sua função é provavelmente mais para expressar a tensão que incluiu um objeto específico: ele acentua a impressão de que reúne os três blocos, como desenhar uma linha de força que aperta.

O impulso ritmo arco negro para a tela, de acordo com o papel atribuído à Kandinsky preta em Do espiritual na arte, que se iguala com a pontuação musical: "Como nada, sem oportunidade, como nada após a morte a morte do sol, como um silêncio eterno, sem futuro, sem sequer a esperança de um futuro, dentro dos anéis escuros. Na música, o que há é a ruptura que marca um fim completo, seguido então alguma coisa pode ser o nascimento de outro mundo Por tudo o que está suspenso pelo silêncio se foi para sempre:.. O círculo está fechado "

Na de 1919 cinza  Óleo sobre tela
129 x 176 centímetros

A composição desta obra, muitas vezes criticado por pertencer a um período de incerteza, devido ao clima pessimista de guerra, é exuberante e complexo ao extremo.
Kandinsky si mesmo, talvez porque ele lembra de um período doloroso, exporia mais a partir de 1930, não menciona em seu catálogo. Em 1936, ele confidenciou a um dos seus padroeiros: "Im Grau é a dramática conclusão do meu período, aquele em que eu acumulei muitas maneiras ... Era tempo de guerra e os primeiros anos da revolução que j Já vivia em Moscou. Eu não quero repetir esta experiência. "

Mas é, sem dúvida, a dor e emoção que esta pintura que mostra sua alta qualidade, ecoando o tema do Apocalipse tantas vezes tratada por Kandinsky antes da guerra se tornou realidade em 1919.
características da paisagem, e outro "Doug", float e parecem desintegrar-se em uma atmosfera cinza, etéreo, como se o cinza simboliza o destino de entropia cores e formas. Em sua teoria das cores, cinza, na verdade expressa um stop motion, ou a degradação de toda a força vital. Aqui, ela pode ser interpretada como um sentimento de melancolia afirmado contra a nova cara que o mundo oferece, mas também de desafio contra novas ideologias que afirmam em Moscovo após a Revolução Bolchevique.

Biografia

Nascido em uma família rica da burguesia, em Moscovo, Kandinsky não se dedica à pintura até mais tarde, depois de estudar Direito e Economia e poucos anos de ensino, incluindo a Universidade de Moscou. Em 1896 ele recusou um cargo de professor e se mudou para Munique para ter aulas de pintura. Mas durante pouco tempo, a sua prática artística é a de um diletante: ele viaja e memórias pinta-la, percebendo paisagens em um estilo ingênuo e que ele nunca vai abandonar realmente popular. Então ele retira todos os estilos em moda, arte nouveau, impressionismo. Só depois de uma estada em Paris, em 1906-07, onde descobriu as obras de Gauguin, Cézanne e Matisse, que afirma a sua personalidade.

A partir de 1908, as suas paisagens são amplamente estruturada pelo poder evocativo de cores que se identificam com as reminiscências de uma memória emocional. Como Kandinsky disse mais tarde em sua autobiografia, as cores são a manifestação das memórias: "A primeira cor que me fez sentir grandes são o ocre verde-claro e cristalino, branco, vermelho, preto e amarelo Estas memórias. voltar para o meu terceiro ano. Essas cores pertencia a vários objetos que não me lembro tão claramente como as cores. " Esta função da cor é especificamente teorizado em seu primeiro livro, publicado em 1911, o espiritual na arte.
No mesmo ano, em Munique, tendo fundado várias escolas e as comissões de exposição, ele colaborou com Franz Marccriar um centro de edição e sala de exposições, o Blaue Reiter, que dá a ela um trabalho de grande circulação.

Durante a Primeira Guerra Mundial, como cidadão honorário do czar, ele foi forçado a voltar para Moscou, onde a Revolução de 1917 precipitou a ruína de sua fortuna pessoal. Ele regressou à Alemanha em 1922, respondendo ao apelo de Walter Gropius, que lhe ofereceu a ensinar pintura na Bauhaus. Em 1933, o fechamento da escola pelo regime nazista, ele fugiu para a França e se estabeleceram em Neuilly-sur-Seine, onde terminou seus dias.

Para uma extensa documentação mais sobre Kandinsky ver as páginas dedicadas ao Museu Kandinsky

Frantisek Kupka
Opocno de 1871 - Puteaux, 1957

planos verticais I, 1912-1913 Óleo sobre tela
150 x 94 cm

O tema da verticalidade é onipresente na obra de Kupka e, provavelmente, contribuíram para a sua mudança para a abstração.
Ele aparece em seu trabalho por volta de 1909, quando ele pretende representar o movimento e introduzindo a quarta dimensão, o tempo, na pintura. Inspirada pela técnica de lapso de tempo fotografia de Etienne-Jules Marey e experiência futurista (1), a artista corta o espaço de sua tela em uma série de bandas coloridas que evocam a sucessão de momentos, como na mulher, Picking Flores I, 1909-1910 (também no Museu Nacional de Arte Moderna).
Se esse tema domina a tela onde ele expressa sua espiritualidade, em seguida, por motivos como o homem de pé ou igreja gótica, da vertical, é afirmado por si mesmo, as listras verticais tornar autónomo, independente de qualquer Referência imitativa.

Nesse quadro, os planos de Violeta, roxo, preto e branco parecem ter sucesso em um movimento descendente, depois aumentou, como se estes retângulos teve seu impulso para implantar em um espaço infinito. Como ele observa em seu ensaio "A criação nas artes," cortar em ângulo reto ou na diagonal para dar uma impressão de subida ou de descida vertical, mesmo reforçado, onde são definidas as superfícies de cor ou valor diferente . Solennelle, a vertical é a espinha dorsal da vida no espaço, o eixo de toda a construção. "
Através da vertical, Kupka interessado agora constitui a base para a construção do espaço pictórico próprio, que direciona seu trabalho para a abstracção geométrica.

(1) Ver o documentário registro Futurismo, rayon, orfismo: a Avant-garde, antes de 1914.

Cerca de um ponto, 1911-1930 Óleo sobre tela
194,5 x 200 cm

Juntamente com o tema da verticalidade, Kupka trabalhou em movimentos circulares.
Em 1908, com a menina com uma bola (Museu Nacional de Arte Moderna), onde a representação da lona da bola em movimento é transformada em uma série de curvas entrelaçadas, ele começou a explorar a razão para a rodada.
Este trabalho culmina em um ponto em torno do qual a composição tem a sua origem uma forma de planta, uma flor de lótus e seu reflexo na água.Muitos estudos e esboços levar a Kupka tratar este tema de forma abstrata, incidindo sobre o entrelaçamento de dois movimentos centrífugas e centrípetas que expressam a gravidade global e microscópica do crescimento orgânico.

Tirado de 1911 até 1930, mas retocada, e provavelmente até mesmo para além deste quadro é uma síntese de interesses Kupka há três décadas: ele lida com o movimento dos planetas em torno de 1910, estudos, formas orgânicas que trata-se mais especificamente a partir da Primeira Guerra Mundial, mas também o dinamismo das máquinas que marcam seu trabalho no final dos anos 20 e, finalmente, algum padrão automático emprestado os surrealistas.
Ela ilustra a especificidade da captação de Kupka, ambas baseadas em leis científicas e as motivações metafísicas.

Biografia
Kupka é de uma pequena cidade na Boémia oriental, uma região então parte do Império Austro-Húngaro. Iniciado como um adolescente em espiritismo, ele mostra que operam doações médio, especialmente para financiar seus estudos de arte. Ele descobriu a pintura por si mesmo, em seguida, teve aulas de desenho em uma escola de arte local, cuja doutrina é a reprodução dos desenhos da arte decorativa popular, tais como o bordado, dominada por desenhos de círculos e entrelaçamento.
Em 1889, ingressou na Academia de Belas Artes de Praga, onde participaram de uma oficina de pintura de um artista religioso, pertencente ao grupo dos nazarenos, os pintores que defendem o retorno à inocência ea sensibilidade do coração, como oposto convencionalismo acadêmico. Ele então foi admitido na Academia de Belas-Artes de Viena em 1892, mas abandona o curso para enriquecer a sua cultura pessoal, curtindo a efervescência cultural que movimentou a capital imperial. É que o tempo da separação, Mahler, Freud ...

Esta linha de emulação em 1896 em Paris, onde ganhava a vida como ilustrador para jornais como L'au beurre Assiette ouboates onde desenhou cartazes, inspirada no trabalho de seu compatriota cartaz Alphonse Mucha, com quem faz amizade.
Em 1906 estabeleceu-se em Puteaux, perto da casa dos irmãos Duchamp. Com eles, descobriu o cubismo, em primeiro lugar, o entusiasmo e influenciar a sua pintura, em seguida, decepcionado, ao ver que uma "interpretação mais" da realidade. A partir de 1911, ele produziu pinturas que são liberados de qualquer referência ao mundo dos objetos ", Philosophical arquiteturas" como o termo do crítico Jacques Lassaigne.

Depois da guerra ele tinha assumido como voluntário ao lado de França, ele enriqueceu suas experiências pictóricas visual gerada através de instrumentos como o microscópio, e continua a trabalhar sobre o movimento vertical e circular. Mas ele está lentamente caindo no esquecimento.
Não era até o início dos anos 50 para ver seu trabalho reconhecido como de um mestre da abstração.

Alguns desenhos Kupka para uma edição especial da revista L'au beurre Assiette, satírico e anarquista, sobre o tema do dinheiro: ver as obras

Pieter Cornelis Mondrian, Piet Mondrian, disse
Amersfoort, 1872 - Nova Iorque, 1944
Composição em, azul e branco Red II, 1937 Óleo sobre tela
75 x 60,5 centímetros

Esta pintura, embora atrasado em relação à passagem de abstração Mondrian que ocorre por volta de 1914, ilustra a natureza singular de sua abordagem. Motivados pela idéia de que a natureza é regida por uma estrutura imanente, Mondrian procurou durante toda sua vida para produzir uma rede de organização de forças e emerge de irregularidades primordial própria existência. Sua pintura é estudá-los de forma refinada, levando a uma abstração geométrica radical, cujo vocabulário está em vigor desde 1917.

Composição II em 1937, ele continuou seu estudo sobre as duas grandes tensões em conflito, horizontal e vertical, que ele acredita que a base do mundo, direcionando seu olhar cada vez mais para a idéia de equilíbrio dinâmico. Para isso, multiplica as linhas de interseção em preto e planos coloridos usados em um sistema de contrapesos.
As intersecções das linhas, e os coloridos pintados uniformemente afirmar o achatamento da tela, sugerindo uma sensação de estabilidade. Mas, graças a mudanças na largura da linha, efeitos visuais swing cavar o espaço em branco e animar o tecido de uma ilusão de movimento, impulsionado pela liberação de planos termina de vermelho e azul da superfície.

Mondrian, em seguida, aumenta o efeito dinâmico dos seus quadros, substituindo as linhas pretas de linhas coloridas, o que lhes confere uma vitalidade radiante.

New York I, 1942 Óleo sobre tela
119,3 x 114,2 centímetros

Mondrian torna esta pintura, figura emblemática do período passado, enquanto no exílio em Nova York.
Ao descobrir esta cidade, especialmente à noite sua imagem marcada por sinais luminosos e as luzes do carro que enfatizam seu ortogonais, Mondrian encontra uma paisagem que dá razão para a sua pintura. Nova York é como uma confirmação de sua tese de que a essência do universo é reduzido a uma estrutura geométrica.

Mas esse modelo leva a acreditar que a estrutura urbana como um movimento perpétuo, que ele exprime através do trabalho sobre as cores da sua rede de rotas. Em Nova York, I, linhas vermelhas e amarelas emaranhado azul em si, às vezes de cima, às vezes abaixo, de acordo com uma lógica dinâmica.

Essa nova escrita for bem sucedida, nos anos finais de sua vida, redes e linhas composto por uma multiplicidade de pequenos quadrados de cores, que flui sobre a superfície da tela em um fast-paced inspirado pelo jazz e Boogie -Woogie. Mondrian e anuncia o advento da arte cinética.

Biografia

Logo no início, o exemplo de um de seus tios pintor Piet Mondrian e só quer pintor pintor, apesar da objeção de seu pai.Para impor a sua vocação e financiar seus estudos, ele concordou em lhe ensinar desenho nas escolas primárias e secundárias.
Em 1893, frequentou aulas de pintura na Academia de Belas Artes de Amsterdam e pintou principalmente paisagens. Mas estas práticas não satisfazer a sua curiosidade e ele embarca em uma missão, que não será mais do que 20 anos depois, o que deve ser a pintura. Durante este período de grande experimentação e incertezas, Mondrian tenta todos os estilos de pintura moderna e clássica, do realismo para o perfeito fauvismo mais pegou emprestado de seu compatriota vivendo em Paris, Kees Van Dongen. Mas isso também depende do simbolismo, impressionismo, pontilhismo, ao conseguir muitas pinturas que retratam os preceitos esotéricos derivados de teosofia, que adere à Mondrian em 1900.

Em 1912 ele se mudou para Paris, onde ele descobre que as recentes pesquisas de pintores cubistas, que, perguntando-se sobre a tradução de espaço na superfície de uma tela, experimentando com os limites da abstração. Mondrian engolida desta forma, trabalhando em redes de linhas pretas que, no cubistas, permitiu cimentar as várias facetas da realidade.

Em 1914, enquanto ele está em férias no campo holandês, em Domburg, a guerra é surpreendido e obrigado a permanecer em seu país. Ele, então, pôr as lições aprendidas em Paris em 1917 e levou o seu modo de composição que dá para ver, como uma fórmula matemática, que segundo ele é a essência das coisas: uma pintura de linhas ortogonais em fundo branco, com cores primárias que preencher algumas seções.
Até sua morte em 1944, ele trabalhou a partir deste vocabulário que se refere como neoplasticismo.

Para a execução do vocabulário estilístico de Mondrian ver alguns trabalhos

Kasimir Malevich Severinovich
Kiev, 1878 - Leningrado, 1935
Cruz (preto), 1915 Óleo sobre tela
80 x 80 cm

Malevich faz esta pintura, juntamente com cerca de trinta outros, para uma exposição que ele organizou, em colaboração com Jean Pougny em São Petersburgo, em dezembro de 1915. Para este evento, ele se intitula0,10. A exposição futurista passado, ele pretende romper com a Western avant-garde, e para além dessa oposição, para encontrar um "zero-formas", isto é uma tábula rasa, para iniciar uma reconstrução, não revolucionário ou sensacional, mas infinitesimal. Ele mostrou suas primeiras obras abstratas que incorporam a idéia de uma arte à beira do nada, não pensava em nada como uma interface entre o visível eo invisível. Em busca de um Ser Supremo, para além do mundo dos objetos, a arte de Malevich,Suprematismo, purifica a pintura, removendo tudo o que interpreta.

Quanto ao papel da cruz na supremacia deste pensamento, a retrospectiva Malevich explícita em seus escritos teóricos. É um dos elementos fundamentais do seu sistema de plástico, a "supremacia segundo elemento fundamental", sendo o primeiro círculo. Quanto ao quadrado, é o sistema de referência absoluto, isto é, a forma zero a partir do qual toda a unidade visual é derivada. Enquanto o círculo é a rotação do quadrado, a cruz é obtido dividindo o quadrado em dois retângulos, um dos quais gira uma outra de 90 °.

Mas o rigor geométrico evocado essa informação é temperada pelas irregularidades que o pintor tenha incluído em sua web. contornos incertos dos ramos, sua inclinação infinitesimal, o equilíbrio precário também convidar a considerar a cruz repetidamente em toda a obra de Malevich, como emocionalmente. O escultor Antoine Pevsner demonstrado quando ele relata sobre o atribuído durante o funeral de um amigo do artista, em 1918: "Quando ele me viu, ele sussurrou para mim: tudo será crucificado. Nós Minha cruz, eu já preparados. Provavelmente você já reparou nas minhas pinturas. "

Presença da cruz em uma tarde de muito trabalho de Malevich, o homem correndo, 1933-1934, Museu Nacional de Arte Moderna: Veja o trabalho

Biografia
Nascido na Ucrânia, de pais poloneses, Malevich primeira experiência de um colégio agrícola comum não é sem significado em relação a sua carreira futura, pois, como anotou em sua autobiografia é agricultores procuram decorar sua casa, ele foi atraído para a arte e pintura.
Em 1896, ingressou na escola de arte em Kiev e em seguida foi para Moscovo em 1904 onde estudou na Academia de Pintura, Escultura e Arquitectura. Dentro de associações de arte, tais como o Valete de Ouros ou a cauda de um burrocom um interesse em pictórica modernista enquanto desenha pinturas rupestres da Rússia, ele foi apresentado sucessivamente a todos os estilos de pintura em voga e inventado em 1913 por caracteres de pintura com formas cilíndricas, o cubo-futurismo, a síntese adequada da Rússia e da Itália tendências francesas.

Neste contexto de emulação, ele fez os figurinos e cenários de uma ópera de vanguarda, Vitória sobre o sol, jogado, em dezembro de 1913, em São Petersburgo. Foi aí que pintou o seu primeiro quadrado preto sobre fundo branco, que no regime geral da decoração foi destinado a substituir um ícone. Seus trabalhos posteriores, até o final da década de 20, é para tirar conclusões gesto artístico, teórico e filosófico. Como ele diz no catálogo de uma exposição em que participou, na Primavera de 1915, Tramway V ", o autor ignora o conteúdo das suas pinturas," o fato de que o escopo inclui a posteriori.

No Outono de 1915, ele exibiu trinta obras radicais, abstratas e mínima, o que ele trabalhou em segredo. Para se qualificar, Malevich cunhou o termo suprematismo do latim "Supremus", que é acima de tudo em relação a uma tradição filosófica, a "mágica" para definir a essência das coisas invisíveis.
Em 1927, ele fez sua única viagem para o Ocidente e foi para Varsóvia para expor seus quadros e, em seguida para Berlim, onde ele se lembrou de emergência na URSS. Ele diz que todos os seus trabalhos e documentos para um amigo que vai vender em 1958, no Stedelijk Museum em Amesterdão. Graças em parte a este incidente como o trabalho de Malevich tem sido preservada até ser redescoberta no Ocidente gradualmente ao longo dos anos 70.

Desde 1928, ele produziu uma série de pinturas de camponeses, com efeitos retroactivos 10 anos, provavelmente por razões políticas. De fato, através dessas pinturas e ao contrário sua primeira série de camponeses, quando ele cantou a nobreza do trabalho e da harmonia com a terra dos homens, Malevich condena a invasão violenta da civilização tecnológica em áreas rurais defendida pelos planos desenvolvimento de cinco anos.
Em 1930 ele foi preso temporariamente, levando seus amigos para queimar muitos dos seus manuscritos.
Com exceção de uma exposição final em 1935, que apresenta uma seleção de suas pinturas recentes, as suas obras não serão mostrados na URSS até 1962.
De acordo com a supremacia cerimônia teve totalmente planejado, ele será enterrado em um caixão adornado com um quadrado, um círculo e uma cruz na capa (a cruz foi retirada pelas autoridades), vestido com uma camisa branca, calça preta e sapatos vermelhos.

Textos de Referência
Kandinsky, Arnold Schoenberg Carta de 18 de Janeiro 1911 Caro Professor! Perdoe-me, por favor, se eu escrever sem ter o prazer de conhecê-lo pessoalmente. Eu só assistiu seu show aqui, e eu tinha uma verdadeira alegria para ouvir. Você certamente não me conhece, eu quero dizer o meu trabalho é claro, porque eu jogo muito baixa, e em Viena, eu ter exposto uma única vez brevemente alguns anos atrás (Civil). Mas as nossas aspirações e nossa maneira de pensar e sentir têm tanto em comum que eu gostaria de manifestar a minha solidariedade. Você já fez o seu trabalho em que eu, de uma forma imprecisa de fato, um grande desejo na música. O destino específico, o caminho independente, a vida finalmente próprias vozes individuais em suas composições estão apenas que eu também pesquisa em uma forma pictórica. Atualmente, uma das principais tendências da pintura é buscar a harmonia "novas" através dos canais construtivos, onde o ritmo é a construção de uma quase geométrica. Desta forma, eu não aspire e não simpatizar com seu meio como. A construção é o que faltava tão desesperadamente para pintar recentemente. E é bom para a pesquisa. Mas esta é a maneira que eu vejo de forma diferente construída. Eu só acho que podemos encontrar nossa harmonia com faixas de hoje "geométrica", mas sim por antigeométrique, antilogical a maioria absoluta. E este caminho é o da "dissonância na arte" - na pintura como na música. E o pictórico e musical dissonância "hoje" não é nada, mas a consonância de "amanhã". (Não deve, naturalmente exclui a priori, em seguida, a chamada "harmonia" acadêmico: ela toma o que precisa sem se preocupar com onde levá-la e "agora" precisamente no momento. o advento do "liberalismo", as possibilidades são tantas!) Fiquei extremamente feliz de voltar para casa os mesmos pensamentos [...]. Deixe-me enviar-lhe uma pasta do meu trabalho (as xilogravuras tem quase 3 anos) e eu acrescentaria a esta carta algumas fotografias das pinturas bastante recente. Eu ainda não o mais tardar. Eu ficaria muito feliz se isso poderia interessá-lo. Com toda a minha simpatia e meu consideração sincera, Kandinsky

Malevich, do cubismo e futurismo ao suprematismo. O novo realismo pictórico, Moscou, 1915 (excerto) Quando a consciência perdeu o hábito de ver em uma mesa de canto, representação da natureza, madonas e impudente Vênus, vamos trabalhar puramente pictórico.
Eu mudei para zero as formas e tenho convocado para o vórtice de lixo da arte acadêmica.
Eu quebrei o anel do horizonte, eu saí do círculo das coisas, a linha do horizonte, que aprisiona o pintor e as formas da natureza. Constantemente revelando novos, este anel infernal remove o pintor da meta final. Ao artista, só a covardia da consciência e da escassez de forças criativas cair na armadilha e colocá-las sobre as formas de arte da natureza, temendo que não fugir alicerces sobre os quais o selvagem e da academia têm base sua arte.
Reproduzir objetos e áreas favoritos natureza é agir como um ladrão, que olhava com admiração os seus pés acorrentados.
Só pintores tacanha esconder a sua arte em sinceridade.
Na arte, não é a verdade e sinceridade.
Para a nova cultura artística, as coisas desapareceram como fumo e arte vai até o fim em si mesmo, a criação de formas de dominação da natureza [...].

Mondrian, o diálogo com o novo plástico, 1919 (excerto) R: cantor B: o pintor
R: Eu admiro a sua primeiras obras. Eles me toca profundamente, e é por isso que eu quero que você explique a sua nova maneira de pintar. Confesso que esses pequenos retângulos me dizer nada, o que é seu objetivo? B: O meu trabalho hoje não tem outra finalidade que a minha pintura, ontem, e outra tem o mesmo, mas essa meta parece mais claramente nos meus trabalhos recentes. R: E qual é esse propósito? B: Expressando plasticamente pela oposição de cores e linhas de comunicação. A: Mas seus trabalhos anteriores foram representativos da natureza! B: Eu me expressava através da natureza. Se você acompanhar a evolução do meu trabalho, você verá que aos poucos dão a aparência natural das coisas e eu colocar mais ênfase na expressão visual dos relatórios. A: Mas por quê? Você acha que afeta a aparência natural da relação de longo prazo? B: Você concorda que, se duas palavras são cantadas com a mesma força, com o mesmo sotaque, cada palavra enfraquecer o outro. Nós podemos fazer com igual força para tanto a aparência natural, como o vemos, e relatórios. A forma, cor e linha relatórios véu natural, pois há a ser determinada expressão artística, tais relatórios não devem ser expressas através da cor e da linha como tal. Na natureza caprichosa, as coisas corpóreas curva e enfraquecer a cor ea linha. E é para dar força a esses instrumentos na pintura que eu deixei meus trabalhos anteriores já manifestou-se mais pela cor e linha. A: Mas como a cor ea linha, ou seja, sem a forma como observamos na natureza, poderiam representar uma coisa tão determinado? B: a expressão visual da cor e da linha, a apresentação da oposição através da cor e da linha, que expressa os relatórios da oposição. É nesses relatórios que sempre manifestou, e além de toda a pintura tende a expressar [...].

Cronologia
1896 Mudou-se par Kandinsky em Munique, Aprendeu pintar uma onda.Lá ficou elementos, exceto Um ano in Paris, in 1906-1907, comeu o da Primeira Guerra Mundial INICIO. Chega Kupka in Paris, ilustrador trabalhou Onde Como.
1907 Pela Primeira Vez Malevich exposições com uma Associação dos Artistas de Moscou.
1911 Kupka purificação do osso Motivos n º MANTER SUAS apenas Pinturas como Linhas geométrica: elementos nao fez SUAS Pinturas Primeira-figurativi. Kandinsky assistências em 01 de janeiro em um concerto de Arnold Schoenberg, em Munique no dia seguinte ele escreveu para dizer-lhe como ele se sente próximo de sua música, ele vê como um equivalente do seu próprio trabalho. No final do ano, ele publicou o Espiritual na Arte em Munique e fundada a Blaue Reiter, Franz Marc.
1912 Mondrian chegou a Paris, onde descobriu o cubismo, o ponto de partida de sua pesquisa abstrata. Kupka exibido no Salon des Independants suas primeiras obras abstratas.
1913 Malevich projetos cenários e figurinos para a ópera Vitória de vanguarda sobre o sol que fornece a oportunidade de trabalhar sobre o tema da praça. Kandinsky descreve uma composição abstrata, no Armory Show, em Nova York.
1914 Com a declaração de guerra, Kandinsky teve que deixar a Alemanha para voltar à Rússia, quando Mondrian, que passou suas férias na Holanda, foi forçado a permanecer em seu país. Kupka foi voluntário no exército francês.
1915 Malevich exposição organizada com Pougny 0,10, onde expôs o seu trabalho e faz seu manifesto suprematista texto, desde o cubismo eo futurismo ao suprematismo. O novo realismo pictórico.
1917 Mondrian é definitivamente a sua característica portão. Artistas se reúnem em torno dele para fundar a revista De Stijl. Malevich criou, junto com artistas como Pougny e Rosanova, o grupo Supremus. Ela participa ativamente do revolucionário bolchevique e foi nomeado no final do ano, o Comissário para a Protecção das obras de arte.
1918 Kandinsky tornou-se membro da Secção de Belas-Artes do Comissariado para a Instrução Pública. Mas logo o seu confronto com as opiniões de outros artistas como Rodchenko, um defensor da arte engajada. Malevich expõe um quadrado branco sobre branco, vale a pena, que ele também a hostilidade de Rodchenko.
1919 Mondrian voltou a Paris depois de passar os anos de guerra na Holanda. Primeira retrospectiva da obra de Malevich, em Moscou. Cada vez mais criticado por sua pintura, dedicou-se sobretudo à escrita de textos instrucionais ea teoria, e educação, especialmente em Vitebsk até 1921.
1921 Kupka fez sua primeira exposição individual em Paris, sem muito sucesso. Ele gradualmente desiste de pintura e aceita um cargo de professor em 1923.
1922 Kandinsky foi nomeado professor da Bauhaus.
1923 exposição de Kandinsky primeira individual em Nova York.
1926 Kandinsky publica Ponto, linha, plano. Por uma gramática de formas.
1927 Malevich viagem à Polónia e à Alemanha, onde ele deixa as únicas obras que o Ocidente vai ver a sua produção até a década de 70. Após o evento, que reintroduziu a figura humana em sua obra.
1929 Kandinsky tinha a sua primeira exposição individual em Paris.
1930 Malevich foi preso na queda pelos serviços de segurança do Estado e detido por duas semanas. Busca, então, emigrar para a Polónia, mas é forçado a permanecer na União Soviética.
1931 Kupka retomada momentaneamente gosto na arte e participa da formação da arte geométrica abstrata grupo Abstraction-Creation.
1933 Com o encerramento definitivo da Bauhaus, Kandinsky deixou a Alemanha para Neuilly.
1935 Morte de Malevich.
1936 Exposição Cubismo e Arte Abstrata, em Nova York com a participação de Kandinsky.
1938 Mondrian mudou-se para Londres, depois em 1940 em Nova York, onde seu trabalho será amplamente divulgada, mas também muito criticado.
1944 morte de Mondrian. morte de Kandinsky.
1946 Primeira retrospectiva da obra de Kupka em Praga. Seu trabalho está apenas começando a ser apreciado.

Bibliografia Selecionada

Ensaios Sobre abstração arte - Jolanda Nigro Covre, a captação de arte, temas e formas de Abstração nd Vanguarda Européia, Arles, Actes Sud, 2002 - Bruno Duborgel, Malevich, uma Questão do ícone, Saint-Etienne, Centro de Estudos e Pesquisas Sobre a interdisciplinaridade Expressão Contemporânea, 1997 - Philippe Sers, Kandinsky, a Filosofia da Abstração de Genebra, Skira, 1995 - Como que foi transmitido abstrações abstrações: Homenagem a Jean UMA Laude. 5 º Simpósio Sobre a História da Arte Contemporânea, realizada in St Etienne in 27 Fevereiro - 2 Março de 1985, Saint-Etienne, CIEREC, 1986
Catálogos de Exposições - Malevich, ESCOLHA UMA NAS Coleco do Museu Stedelijk Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris, 2003 - Mondrian 1892-1914. Os Caminhos da Abstração, Paris, Musée d'Orsay, 2002 - Wassily Kandinsky, Coleco Centro Pompidou "Fora das Muralhas", Nantes, Musée des Beaux-Arts, 1998 - A Exata Beleza, Van Gogh, Mondrian, Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris, 1992 - Frantisek Kupka, Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris, 1992 - Malevich, Paris, Centre Pompidou, 1978
Escritos de Artista - Wassily Kandinsky, Ponto, Linha, Plano, Paris, Gallimard, Folio, 1991 - Wassily Kandinsky, Do Arte na Espiritual, Paris, Gallimard Folio, 1989 - Frantisek Kupka, uma CRIAÇÃO NAS visu artes, Paris, Cercle d'Art, 1989 - Kasimir Malevich, Escritos, Apresentado e editado Por Andrei Nakov, Paris, Editions Gerard Lebovici, 1986

Artes

segunda-feira, 30 de maio de 2011